[crítica] Resident Evil (2026)

 A nova adaptação para as telonas de Resident Evil chegou e não parece o que se esperava!

O novo Resident Evil finalmente entendeu os jogos?

Eu fui assistir ao novo Resident Evil em uma cabine de imprensa e confesso: saí da sessão bem mais surpreso do que esperava. E não é porque o filme tenta simplesmente reproduzir algum dos jogos. Na verdade, acontece justamente o contrário.

Dessa vez, não temos Jill, Chris, Leon, Claire ou qualquer outro dos protagonistas conhecidos. A história acompanha um personagem novo, vivendo uma situação paralela dentro do universo de Resident Evil. E foi justamente essa escolha que me chamou atenção. Manteve a atmosfera dos dos primeiros jogos e de Outbreak com uma pessoa comum em meio ao caos, sem precisar dos personagens dos jogos, mas ocorrendo em paralelo, drante os acontecimentos dos jogos.

Depois dos filmes estrelados pela Alice, que eram divertidos, mas cada vez mais voltados para a ação, da série da Netflix problemática e daquela tentativa de juntar elementos dos primeiros jogos em uma história completamente reorganizada (mas que foi mal organizada, diga-se de passagem), finalmente temos um filme que me passou uma sensação que eu não tinha tido nas adaptações anteriores:

“Isso parece Resident Evil.”

E não é apenas por causa dos "zumbis" e monstros infectados.

A atmosfera lembra bastante os primeiros jogos. Existe aquela sensação de entrar em um lugar que você não conhece, explorar, descobrir o que aconteceu, encontrar uma ameaça e nunca saber muito bem o que está esperando na próxima área.

Até algumas escolhas de câmera me fizeram lembrar de diferentes fases da franquia, incluindo Resident Evil Outbreak e Resident Evil Village.

E o filme também entende uma característica muito particular de Resident Evil: o horror pode ser realmente tenso e, ao mesmo tempo, existir um certo humor absurdo no meio daquele caos.

A comédia funciona justamente porque não transforma tudo em paródia. O protagonista reage às situações de uma maneira bastante humana, e isso cria momentos engraçados sem destruir completamente a tensão.

Também gostei muito da maneira como as referências aos jogos aparecem.

Não parece que alguém parou a história para dizer “OLHA A REFERÊNCIA!”.

Elas simplesmente estão ali.

Um exemplo que achei particularmente legal é a presença da máquina de escrever em uma sala de save. Para quem conhece os jogos, aquilo tem um significado imediato. Para quem não conhece, continua sendo simplesmente um elemento daquele ambiente.

É assim que eu gosto de fan service.

O filme não precisa copiar a história de Resident Evil 1, 2 ou 3 para lembrar os jogos. Ele parece muito mais interessado em reproduzir a sensação de estar jogando um deles.

E talvez essa seja justamente a maior surpresa dessa nova adaptação.

Não sei se todo fã vai concordar comigo (e certamente existem escolhas aqui que vão dividir opiniões), mas, pessoalmente, saí da sessão pensando que finalmente alguém encontrou uma maneira interessante de levar Resident Evil para o cinema sem simplesmente tentar transformar um jogo em filme (o que deu muito errado nas vezes anteriores, com vários jogos).

Sem spoilers: vale a experiência.

E agora eu quero saber o que vocês acharam.

Nota: 8,5

[Crítica] Águas Mortais

Com direção de Renny Harlin (“Duro de Matar 2”, “Os Estranhos”), o filme acompanha o desespero que toma conta da tripulação e dos passageiros de um voo que parte de Los Angeles com destino a Xangai. Quando um incidente ocorre no compartimento de carga, a aeronave vira palco de uma luta pela sobrevivência quando cai no meio do oceano. 

Os sobreviventes, que já precisam lidar com as consequências do acidente e as perdas irremediáveis, descobrem um novo pesadelo: as águas onde caíram são habitadas por tubarões famintos por sangue que não vão poupar ninguém. Agora, a única saída para o grupo é superar suas diferenças e se unir em busca de escapar vivo da situação. 

No elenco, estão incluídos nomes como Ben Kingsley (“A Lista de Schindler”), Aaron Eckhart (“Batman: O Cavaleiro das Trevas”), Molly Belle Wright (“Mistletoe Ranch”), Elijah Tamati (“Holy Days”), Wenhan Li (“Quase Amor”), Simei Zhao (“Behind the Scenes”) e Angus Sampson (“O Poder e a Lei”). 

Entregando Mais Que o Prometido

O filme tem uma boa vantagem, ao escolher Aaron Eckhart e Ben Kingsley para contracenarem como piloto e co-piloto, com boa profundidade mostrada em breves e sutis momentos desde o início. Mesmo com um título genérico e um tema que se tornou clichê nos anos 90 e 2000 (acidentes de avião e sobrevivência), o roteiro e a escolha de elenco transformam este em um ótimo filme, que prende atenção do início ao fim.

Até mesmo os atores mirins que fazem os meio irmãos Finn e Cora traem bastante intensidade em vários momentos, com emoções bem executadas. A trilha sonora , que em alguns momentos conta até com Ben Kinsgley cantando Frank Sinatra em um karaokê ou accapela, por exemplo, consegue ser um elemento leve e conciso.

O perigo sempre á espreita

Como era de se esperar, o filme usa a fórmula clássica de dois tipos distintos de filme, sendo um o "Disaster Movie" (acidente de avião) e o perigo dos tubarões (que foi bem forte a partir de JAWS, de Steven Spielberg, e se repetiu exaustivamente por algumas décadas), mas feito com sabedoria e maestria, dando um belo toque de suspense.

Alguns personagens mereciam um tempinho a mais de tela, mas ainda assim, tudo que foi entregue nas cenas, foi suficiente para dar angústia, torcida por alguns, comemoração em outros. O filme lida bastante com as idéias de culpa e arrependimento, na maioria das experiências pessoais, podendo dar muito mais contexto do que diálogos enormes.

 Veredito Final

Muito suspense, tubarões e motores pegando fogo, este filme tem um bom ritmo e é ótimo ver na telona do cinema, além de te fazer pensar muitas vezes antes de pegar um avião, e principalmente lhe traz uma mensagem importantíssima: JAMAIS leve power bank na sua mala!

Com distribuição Diamond Films, a maior distribuidora independente da América Latina, o aflitivo ÁGUAS MORTAIS estreia nacionalmente em 23 de julho. 

Nota: 8

[Crítica] Dia D (Disclosure Day)

 Steven Spielberg passou décadas ajudando o cinema a construir nossa imagem dos extraterrestres. De "Contatos Imediatos do Terceiro Grau" a "E.T.", ele sempre preferiu o fascínio ao medo. Em "Dia D", o diretor retorna a esse território familiar, mas agora através de uma história que mistura conspiração, memória perdida, política e uma pergunta capaz de mudar a humanidade para sempre: o que aconteceria se a verdade sobre a vida extraterrestre fosse finalmente revelada ao mundo?

A trama acompanha dois personagens cujas vidas parecem não ter ligação alguma: uma repórter responsável pela previsão do tempo em uma cidade do Kansas e um hacker que trabalha para uma empresa associada à defesa nacional dos Estados Unidos. Aos poucos, ambos descobrem que compartilham um passado em comum e que suas histórias estão ligadas a um segredo guardado há décadas.

Spielberg conduz essa jornada como poucos diretores conseguem fazer. Existe um forte senso de maravilhamento em cada descoberta, ao mesmo tempo em que a narrativa mantém um clima constante de mistério e perseguição. Em vários momentos, o filme lembra um herdeiro espiritual de "Contatos Imediatos" e "E.T.", não por compartilhar personagens ou acontecimentos, mas pelo mesmo olhar curioso e quase infantil diante do desconhecido.

Nem tudo funciona perfeitamente. Alguns efeitos visuais impressionam, mas em determinadas cenas a computação gráfica se aproxima do chamado vale da estranheza, causando um leve desconforto visual que destoa do restante da produção. Felizmente, são momentos pontuais em um filme visualmente bastante competente.

O aspecto mais interessante da obra talvez esteja nas discussões que ela provoca. O roteiro brinca com diferentes interpretações científicas, filosóficas e religiosas sobre a existência de vida extraterrestre. Para alguns personagens, a revelação representaria o colapso de antigas certezas. Para outros, seria apenas mais uma peça de um universo muito maior do que imaginamos.

A tensão criada em torno da possibilidade de décadas de documentos, registros e evidências serem exibidos ao vivo para toda a humanidade é o combustível que move a narrativa. E é justamente aí que Spielberg encontra seu tema favorito: não os alienígenas em si, mas a reação humana diante do impossível.

"Dia D" talvez não esteja entre os trabalhos mais revolucionários de sua carreira, mas prova que Spielberg continua dominando uma habilidade rara no cinema moderno: fazer o público sair da sala olhando para o céu e se perguntando se estamos realmente sozinhos.

Veredito: Um thriller de ficção científica com alma de aventura clássica, que mistura conspiração, emoção e questionamentos existenciais em uma história que parece conversar diretamente com os grandes sucessos extraterrestres da carreira de Spielberg.

[Crítica] Amor Apocalipse

O dono de um canil, lutando contra a ansiedade climática, se apaixona por uma atendente de serviço ao cliente por telefone. Em meio a um desastre natural, ele embarca em uma jornada romântica, bilíngue e aventureira para encontrá-la.

Quando o Fim do Mundo é Menos Assustador Que a Solidão

Existem filmes que você assiste pela história. Outros, pelos personagens. E existem aqueles que dependem completamente do estado de espírito de quem está assistindo. "Amor Apocalipse" pertence à terceira categoria.

A trama acompanha Adam, um homem extremamente sensível, consumido por ansiedade, inseguranças e preocupações existenciais. Dono de um canil, ele vive preso em uma rotina melancólica, incapaz de se conectar verdadeiramente com o pai ou de impor limites às pessoas ao seu redor. Sua vida começa a mudar quando uma simples ligação para o suporte técnico de uma lâmpada terapêutica o coloca em contato com Tina, uma atendente cuja voz parece oferecer exatamente aquilo que ele não consegue encontrar sozinho: conforto.

É importante deixar uma coisa clara para quem pretende assistir: apesar de ser divulgado como uma comédia romântica, o filme funciona muito mais como um drama romântico com pequenas doses de humor.

A primeira meia hora pode ser um desafio para alguns espectadores. O ritmo é lento, a trilha sonora é quase inexistente e a narrativa mergulha de cabeça nas angústias de Adam. A ansiedade do personagem é tão presente que, em alguns momentos, chega a ser desconfortável acompanhar seus pensamentos e sua forma de enxergar o mundo.

Mas é justamente quando Tina entra na história que o filme começa a respirar.

O encontro dos dois não transforma a narrativa em uma aventura romântica convencional, mas acrescenta leveza suficiente para equilibrar o peso emocional que dominava a trama até então. A partir desse ponto, o filme encontra um ritmo mais agradável, alternando momentos delicados de romance com pequenas situações inesperadas.

Algumas das melhores cenas surgem justamente desses desvios de rota: uma visita a um vendedor de maconha que quase termina em prisão, uma pequena vingança contra um antigo desafeto ou situações embaraçosas que revelam mais sobre os personagens do que longos diálogos seriam capazes de mostrar.

Quem procura grandes reviravoltas ou revelações chocantes talvez não encontre o que deseja aqui. "Amor Apocalipse" é um filme de observação. Ele está mais interessado em acompanhar pessoas tentando lidar com suas fragilidades do que em surpreender o público a cada quinze minutos.

Talvez sua maior qualidade seja justamente essa honestidade. O longa entende que nem toda história de amor nasce de gestos grandiosos. Às vezes ela surge no meio de um dia ruim, durante uma conversa inesperada, quando alguém aparece exatamente no momento em que você mais precisava ouvir uma voz amiga.

Não é um filme para todos os públicos. Mas quem aprecia dramas intimistas, romances discretos e personagens emocionalmente complexos pode encontrar aqui uma experiência bastante recompensadora.

No fim das contas, "Amor Apocalipse" fala menos sobre o fim do mundo e mais sobre algo muito mais assustador para muita gente: a sensação de enfrentar a vida sozinho.

Nota 7,0

[Cinema] Chopin, Uma Sonata Em Paris

 Você teria coragem de transformar um dos maiores gênios da música clássica em uma estrela do rock boêmia e sarcástica? Pois é exatamente isso que o filme "Chopin, uma Sonata em Paris" faz. E olha... isso dividiu completamente a opinião do público e da crítica!

OS PONTOS POSITIVOS (O que brilha)

Se você vai ao cinema esperando aquela cinebiografia tradicional, lenta e certinha... esquece. O diretor Michał Kwieciński desconstrói o mito do poeta melancólico. O Chopin aqui é humano, cheio de defeitos, irônico e magnético.

A atuação do Eryk Kulm tá sendo aclamada no mundo todo — ele entrega um carisma surreal mesmo quando a tuberculose consome o personagem. Sem falar na fotografia e na reconstrução de Paris, que são visualmente deslumbrantes. É um banquete para os olhos e para os ouvidos!

OS PONTOS NEGATIVOS (Os problemas)

Mas nem tudo são notas perfeitas. Muita gente reclamou que o roteiro é fragmentado, e de fato, é. Personagens históricos importantes, como Franz Liszt, entram e saem da tela sem desenvolvimento, o que corta um pouco a conexão emocional.

Além disso, o filme mergulha fundo na decadência física e no sofrimento do Chopin. Para os puristas, o longa pesou a mão no drama e ignorou fatos reais importantes do final da vida dele.

CONCLUSÃO

Meu veredito? Vale muito o ingresso se você desapegar do livro de história e aceitar um drama psicológico intenso sobre a finitude.

Mas e você, já assistiu ou ficou curioso? Deixa aqui nos comentários se você prefere biografias mais certinhas ou essas mais ousadas!